L’icona del parco è la Salamandra sulla parte alta della scalinata del parco; serviva da scarico della cisterna situata sotto il mercato. E’ un elemento prefabbricato in mattoni, che una volta collocato al suo posto, venne rivestito da frammenti di ceramica policromi. Grazie alla sua forza iconografica, la Salamandra è divenuta la scultura più nota del parco e di tutta la città di Barcellona.

Wilde (1868-1931) è cresciuto negli anni di diffusione del Liberty,  prima, del Simbolismo, poi, ha saputo elaborare un linguaggio personalissimo dove l’Espressionismo si mescola a reminiscenza dell’arte antica, del Rinascimento, ma anche Neogotiche, per dare vita a potenti soluzioni formali che ne hanno determinato un successo di critica controverso. Si può dire, dunque, che l’artista abbia personalizzato ed utilizzato una serie di movimenti artistici che lo hanno reso unico ed originale. La mostra alla Galleria d’Arte Moderna di Milano si è tenuta dal 27 novembre 2015 al 20 febbraio 2016, dando, in questo modo, un’occasione unica per riscoprire la capacità di Wildt di infondere forza e carattere ai soggetti sacri e profani attraverso un gioco di luci, ombre e volumi nel marmo, suo materiale di elezione.

Saccheggi, distruzioni e scempi commessi ultimamente hanno portato l’UNESCO ad adottare un’apposita Dichiarazione riguardante la distruzione internazionale del patrimonio culturale, approvata a Parigi nel 2003. La Dichiarazione invita gli Stati a lottare contro la distruzione internazionale del patrimonio culturale tramite l’adozione di appropriate misure legislative, amministrative, educative e tecniche. Ma perchè vogliamo proteggere, con così tanto impegno, libri, monumenti e quant’altro? A cosa ci può servire? La risposta ci viene data dal Direttore Generale dell’UNESCO, Irina Bokova: “Siamo qui con un senso di responsabilità, con emozione e grande passione. I beni culturali non sono solo bellezza intrinseca, ma rappresentano quello che siamo, la nostra civiltà, la nostra identità. E’ per questo che il terrorismo punta a danneggiare il patrimonio culturale: per colpire il cuore della civiltà. Proteggere questo è importante; una nazione resta viva quando la Cultura resta viva. Dobbiamo mantenere viva la nostra cultura e quindi tutelare il nostro patrimonio, per essere un popolo”.

Considerata un capolavoro della pittura ottocentesca, la Venere di Hayez è secondo la storia dell’arte una tappa fondamentale nel superamento delle istanze neoclassiche. E’ un dipinto ad olio su tela di grandi dimensioni: 183×137 cm; è proprietà della fondazione Cassa di Risparmio Trento e Rovereto ed attualmente è esposta in Gallerie d’Italia a Milano per la mostra di Hayez.

Da novembre Gallerie d’Italia a Milano ospita quadri di Francesco Hayez per metterli a disposizione di tutti; grazie a prestiti eccezionali, ai dipinti più noti si affiancano opere mai viste o non più esposte dall’Ottocento, come l’inedito accostamento delle tre versioni del celeberrimo “Il bacio”. Il pittore ha attraversato l’Ottocento, e il suo talento e il suo stile l’hanno consacrato come il cantore della bellezza e dell’amore. E’ uno dei più grandi interpreti dei valori risorgimentali perché il suo era un linguaggio in cui l’Italia poteva riconoscersi, oltre ad essere l ‘espressione di sentimenti così universali da essere ancora attuale.

Le sezioni della mostra riflettono la versatilità e l’eclettismo di un artista padrone di diversi generi: la pittura storico, il ritratto, la mitologia, la pittura sacra e un ambito allora di gran moda come l’orientalismo, sino a giungere a composizioni di nudo femminile dove trionfa quella potente sensualità che lo rende unico nel panorama del Romanticismo italiano ed europeo. Uno dei suoi dipinti più famosi è appunto “Il bacio”: il suo segreto sta nella forza in cui ha saputo interpretare un tema universale che aveva assunto allora anche un significato politico, rappresentando l’abbraccio delle due nazioni, l’Italia e la Francia, la cui alleanza aveva consentito di realizzare la nostra unificazione nazionale. Un bacio vero, sensuale, ma che nelle lucide pieghe della sua allusivi lascia trasparire un sentimento di sorpresa inquietudine, tale da poter trascinare le vicende personali e quelle pubbliche.

La XLV Mostra Mercato Nazionale d’Antiquariato di Pennabilli dedica la collaterale “Cibo divino, piacere terreno” all’evento dell’anno: Expo 2015

Il cibo nell’arte attraverso i secoli è il tema della collaterale intitolata “Cibo divino, piacere terreno”, che affiancherà a Pennabilli RN, dall’11 al 26 luglio 2015, la 45° Mostra Mercato Nazionale d’Antiquariato.

Il cibo all’interno delle opere d’arte inizia ad assumere una vera e propria valenza simbolica a partire dal Medioevo; più nello specifico, con la simbologia cristiana, il cibo assume un significato allegorico non tanto legato al sostentamento e alla nutrizione quanto al fattore culturale, rendendo espliciti i rapporti e le differenze fra le classi sociali, identificando regioni geografiche, il susseguirsi delle stagioni e persino le fasi della vita.

Tornando indietro nel tempo il cibo viene inserito come elemento secondario e accessorio all’interno dei quadri e utilizzato per allestire determinate scene o denotare un preciso ambiente.

Vengono alla memoria eleganti salotti settecenteschi, in cui una dama si accinge a gustare una raffinata colazione, scene di vita familiare in cui i protagonisti vengono rappresentati intorno a un tavolo, fissando così sulla tela sin dal XVII secolo quei rituali di vita domestica che ancora oggi costituiscono uno dei piaceri nella nostra alimentazione.

Se ci sia relazione tra arte e cibo è una questione molto antica su cui la filosofia si interroga sin da Platone.

Nel 1500 un giovane artista di nome Giuseppe Arcimboldo divenne famoso inventando in pittura ritratti e busti allegorici in cui venivano rappresentate figure umane composte con fiori, frutta e ortaggi; oggi l’opera più rappresentativa e conosciuta del Maestro è stata scelta come logo ufficiale della grande manifestazione internazionale Expo Milano 2015 Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita.

La mostra vuole rendere omaggio a questo evento con una carrellata di opere, rappresentazioni diverse legate al cibo attraverso i secoli.

E, svolgendosi la Mostra a Pennabilli, non ci si può esimere dal citare il magico “Orto dei frutti dimenticati”, nato da un’idea di Tonino Guerra nel 1990, una premonizione quasi e un messaggio per noi tutti.

Dall’arte ci viene, attraverso la mostra, la sollecitazione a salvaguardare e a rispettare la natura in quanto il cibo è, come l’arte, un valore inestimabile per l’intera umanità.

La panoramica sull’interpretazione artistica del cibo nei secoli offerta dalla mostra è curiosa e intrigante; complessivamente si tratta di una ventina di quadri di epoche diverse: si parte dagli inizi del XVI secolo con Pieter Aertsen detto Pietro il Lungo (Amsterdam 1508 – 1575) Interno di cucina – olio su tela – 119 x 96 cm, una caratteristica e molto dettagliata rappresentazione di tre figure: un uomo, una donna e un ragazzo con un gatto all’interno di una cucina del Nord Europa.

Di epoca più recente è il quadro di Alfred Arthur Brunel de Neuville (Parigi 1852 – 1941) Natura morta di frutta – olio su tela – 40 x 60 cm. L’opera è luminosa, ricca di colori. I frutti: pesche, pere, uva bianca e rossa richiamano alla memoria una assolata e generosa fine estate.

Non è difficile individuare le origini dell’opera di Tommaso Realfonso (Napoli 1677 – dopo 1743) Tavola imbandita con frutta, pane, carne, salame, sfogliatelle e pastiera – olio su tela – 70 x 100 cm, in cui risaltano i dolci tipicamente napoletani appoggiati su un piatto in ceramica decorata e un elegante coltello d’argento.

Di periodo più tardo, della Scuola di Carlo Magini (XIX secolo) è una coppia di dipinti con tavoli da cucina – olio su rame – 20 x 30 cm, due classiche nature morte, nella prima delle quali campeggiano un fiasco, una brocca e alcune bottiglie, un mortaio, un coltello e alcuni frutti; nella seconda sono riprodotte con mano abile delle bottiglie, un orcio, un recipiente in coccio e alcune mele.

Chiude, sotto il profilo temporale, la mostra Renato Guttuso con una natura morta che riproduce con i colori forti che lo caratterizzano una cesta contenente alcune pannocchie di granturco e della frutta appoggiata su una tovaglia bianchissima. L’opera è un’acquaforte con 35 passaggi di colore 90 x 120 cm.

A margine della collaterale “Cibo divino, piacere terreno”, Riccardo Agostini, chef stellato del ristorante Il Piastrino di Pennabilli, proporrà ai visitatori, nei pomeriggi di giovedì e sabato, una degustazione offerta dagli organizzatori di Pennabilli Antiquariato, che hanno voluto, in concomitanza con Expo Milano 2015, promuovere i migliori prodotti della gastronomia del Montefeltro.

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